Os melhores filmes do TIFF 2022

Este não era um TIFF para as idades, e tudo bem: nem todas as edições desta escapadela anual de mais de uma semana para cinéfilos e cine-vendedores vão oferecer uma série de obras-primas. Este ano, em especial, bastou que o festival acontecesse, voltando com força total após aqueles dois anos ímpares de atendimento remoto. Eu estava feliz por estar de volta ao chão, correndo entre o Scotiabank e o Lightbox, aumentando uma dieta constante de fast food às pressas com a ocasional refeição mais tranquila com os amigos. E daí se a brilhante peça de memória de Steven Spielberg que derreteu meus colegas em poças efusivas me deixou um pouco frio? Eu pude vê-lo em uma tela enorme, para aproveitar o brilho da experiência teatral. Mesmo quando os filmes não eram ótimos, isso era.

E não me entenda mal: muitos dos filmes eram quase ótimos. Estes foram os melhores que vi na semana passada – uma coleção tipicamente eclética de remanescentes de Cannes e estreias mundiais de Toronto que me levaram ao passado distante e ao futuro próximo, ao espaço exterior e interior, e muito além.

1. De Humani Corporis Fabrica
O novo documentário radical de Verena Paravel e Lucien Castaing-Taylor ( Leviathan , Caniba ) sonda as entranhas de vários hospitais parisienses, percorrendo as correntes sanguíneas de seus corredores e vasculhando as personalidades de seus praticantes, antes de ir muito mais fundo, nos corpos sendo operado. Para os mais sensíveis, De Humani Corporis Fabrica pode parecer uma espécie de filme de terror, mostrando o funcionamento privado do cérebro, intestinos e tudo mais com um close-up explícito raramente visto fora da escola de medicina. Mas eu encontrei esta viagem fantástica em movimento furtivamente, tanto na estranha beleza que ela localiza na arquitetura de nossos sistemas internos de vida quanto nos holofotes que lança sobre os homens e mulheres que consertam esses sistemas para ganhar a vida. Ele me mostrou o mundo de uma maneira que eu nunca tinha visto antes.

2. Godland
Um padre dinamarquês (Elliott Crosset Hove) sai em peregrinação pela inóspita Islândia do século 19, então uma colônia de sua terra natal, para ajudar a estabelecer uma nova paróquia. Ao longo do caminho, este viajante esbelto e desajeitado trai suas fraquezas como homem e homem de Deus, lentamente alimentando um intenso rancor contra o guia da expedição (Ingvar Sigurðsson), seu oposto polar em adaptabilidade robusta, falta de pretensão intelectual e tamanho cambaleante. Hlynur Pálmason segue o fascinante e enigmático drama de luto A White, White Day com uma odisséia no deserto tão interessada na paisagem das mentes de seu personagem – seus medos, seus desejos, seus ressentimentos mesquinhos – quanto no cenário impressionante. Godland leva seu tempo, mas eu apreciei cada minuto gasto em seu velho mundo vividamente evocado, onde Pálmason encontra notas conflitantes de amargura e ternura. O maior elogio que posso fazer ao filme é que seu retrato de viagens árduas trouxe à mente Meek's Cutoff , de Kelly Reichardt, o primeiro grande filme que vi em Toronto, há mais de uma década.

3. Decisão de Sair
O último filme de Park Chan-wook pode ser o menos perverso que o maestro coreano de sexo e violência por trás de Oldboy e The Handmaiden já dirigiu – uma história de detetive que gradualmente se transforma em um melodrama de sedução e desejo reprimido. Mas Park aborda o material com uma amplitude francamente impressionante de invenção visual, elevando até as conversas mais simples com a elegância de suas composições e o fluxo fluido de seus cortes. É muito fácil ver como ele ganhou o prêmio de Melhor Diretor em Cannes no verão passado – Decisão de Sair é um excelente exemplo de como um grande cineasta muitas vezes encontra uma maneira interessante de encenar cada momento de seu filme. Enquanto isso, o craque do filme é a notável Tang Wei, fazendo uma variação emocionalmente complexa da femme fatale, no que talvez seja seu melhor papel desde Lust, Caution .

4. Pós-sol
Em uma estância balnear turca, um pai e sua filha de 11 anos desfrutam de férias de vários dias de relaxamento à beira da piscina, refeições agradáveis ​​e karaokê até tarde da noite. Gradualmente, torna-se claro que estas são memórias – pequenos instantâneos de alguns dias significativamente insignificantes do passado de uma mulher, emoldurados por uma poderosa sensação de melancolia retroativa que o filme não explica explicitamente. O longa de estreia de Charlotte Wells, outra estreia em Cannes (estamos vendo um padrão aqui?), é a definição de um filme “pequeno”, cujo foco nunca vai além dos prazeres mundanos e do sofrimento emocional sutil das férias que retrata. Mas Wells tem um ótimo olho (há alguns momentos inesquecíveis aqui, como uma conversa de pai e filha capturada primeiro por uma câmera de vídeo em execução, depois no reflexo da TV depois que a câmera é desligada) e uma ótima sensação para o pequenos detalhes de uma viagem que podem se somar na mente de uma pessoa, revistos várias vezes até se solidificarem em lendas pessoais.

5. RMN
Cristian Mungiu, da fama de 4 meses, 3 semanas e 2 dias , continua sendo meu favorito dos cineastas romenos da New Wave, em parte porque ele estrutura seus filmes como bombas-relógio de tensão. Seu último conta uma história tristemente oportuna (e ainda mais tristemente atemporal) de crescente intolerância racial em uma pequena vila da Transilvânia conhecida por sua diversidade europeia, mas que não aceita tanto alguém que possa realmente diversificar sua população. O poder do filme vem não apenas da verossimilhança indignada de seu conflito (um microcosmo para o que está acontecendo em toda a Europa e em grande parte do resto do mundo), mas também da maneira como Mungiu misteriosamente compara o calvário nacionalista branco da cidade com o pesado façanhas de seu personagem principal, um pedaço fervendo de raiva inarticulada cujo papel no processo permanece incisivamente evasivo. O poder do filme pode estar em como essas duas histórias se cruzam e em como elas se recusam a fazê-lo.

6. Os Banshees de Inisherin
Deixando para trás a saborosa visão de fora do sudoeste americano de seu divisivo Three Billboards Outside Ebbing, Missouri , Martin McDonagh retorna à sua terra natal, a Irlanda, mas mais uma vez se entrega à sua afinidade por bater cabeças intensamente. Neste caso, o conflito é entre dois amigos em uma pequena ilha fictícia quando um deles (Brendan Gleeson) de repente decide, sem provocação, que não quer mais nada com o outro (Colin Farrell), e vai ao extremo. para se fazer entender sobre o assunto. Esta reunião em Bruges rende enormes risadas, muitas delas cortesia de Farrell, demonstrando mais uma vez o talento descoberto tardiamente que ele tem para interpretar tristes perdedores. Mas a premissa cômica inspirada do filme contém fontes de mágoa (não seria doloroso saber sem aviso que seu melhor amigo não aguenta mais você?) país à parte, um pouco além das fronteiras de uma comunidade enganosamente idílica.

7. Cebola de Vidro
Os críticos não reclamariam tanto sobre o vício em franquias de Hollywood se os blockbusters de IP lançados fossem tão ágeis e emocionantes quanto os mistérios de Benoit Blanc de Rian Johnson. Glass Onion , seu segundo whodunit estrelado, não é tão elegante ou afetando uma subversão do gênero quanto seu primeiro, Knives Out . Mas é divertido mesmo assim, especialmente quando Johnson começa a repetir sua história, revelando as camadas ocultas de motivos e subterfúgios à espreita por trás de um ato de abertura tortuoso. O apelo desses filmes é ao mesmo tempo antiquado e novo, reinventando uma tradição atemporal através da armadilha de aço da imaginação de Johnson e da clareza de sua política de classe.

8. Viquingues
Oito anos depois de fazer um pequeno mergulho no TIFF com sua dolorosamente boa comédia de amadurecimento Tu dors Nicole , o roteirista e diretor Stéphane Lafleur retorna com uma joia inexpressiva sobre uma simulação estranha: enquanto uma nave tripulada segue para Marte, cinco pessoas na Terra – cada um selecionado por sua semelhança emocional e psicológica com um dos astronautas a caminho do planeta vermelho – tentam antecipar e solucionar os conflitos reais que surgem ou provavelmente surgirão entre suas contrapartes no espaço. Lafleur interpreta o cenário para risadas absurdas enquanto exibe uma profunda curiosidade sobre a maneira como todos nós administramos e tentamos antecipar nossas respostas emocionais a tudo. Pode-se imaginar um tratamento mais alucinante da premissa, mas fiquei bastante impressionado com essa tomada discreta, que também pode ser o comentário de Lafleur sobre o absurdo essencial do cinema.

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