Everything Everywhere All at Once’s Larkin Seiple no filme de 2022

O bom filme de 2022 pertence ao elenco e à equipe de Everything Everywhere All at Once . A história absurda do multiverso combina ficção científica, drama, artes marciais e fantasia para retratar uma história emocionante de amor e trauma. Michelle Yeoh estrela como Evelyn Quan Wang, uma infeliz dona de uma lavanderia que busca uma vida melhor para si mesma. Enquanto auditada pelo IRS, Evelyn aprende sobre o multiverso e deve herdar várias versões de si mesma para salvá-lo da destruição.

A aventura de alta octanagem instantaneamente se tornou um prazer para o público a caminho de se tornar o filme de maior bilheteria da A24. Dirigido por Daniel Kwan e Daniel Scheinert, conhecido profissionalmente como “The Daniels”, Everything Everywhere All at Once recebeu aclamação universal por sua originalidade, direção e visuais impressionantes. O diretor de fotografia Larkin Seiple ajudou a criar o belo uso da cor nos vários universos e as excelentes sequências de luta ao longo do filme.

Em entrevista ao Digital Trends, Seiple explica o desafio de filmar em menos de 40 dias, a engenhosidade dos Daniels e o impacto positivo que o filme continua causando no público.

Nota: Esta entrevista foi condensada e editada para maior extensão e clareza.

Tendências Digitais: Qual foi o conceito mais fácil de entender? Uma história épica do multiverso ou um filme de amigos que apresenta um cadáver peidando ?

Larkin Seiple: O cadáver era mais fácil. O cadáver com quem me relacionei muito mais. Um adulto de meia idade está perdido e tentando chegar a um acordo sobre o que fazer. Eu não sou homem. Eu não sou uma criança. O que eu faço no meio termo? Estranhamente, isso fazia sentido. Como um garoto fazendo coisas idiotas com seus amigos na floresta, parecia muito relacionável.

A história de amor e trauma geracional em Everything Everywhere foi bastante inebriante. Tentar seguir isso emocionalmente no roteiro também foi um pouco diferente do que você vê no filme. Os Daniels foram realmente bem sucedidos. Se você está confuso, não importa, porque você sabe qual emoção sentir. No roteiro, era o contrário. Você sabia o que estava acontecendo, mas era um pouco mais difícil rastrear a emoção disso.

Houve um momento em que você finalmente entendeu o conceito? Levou algumas leituras para finalmente dizer: “Ok, eu vejo o que os Daniels estão tentando fazer aqui?”

A primeira vez eu li tão rápido porque eu estava tão animado. Grande parte da confusão foi minha culpa. Como quando você lê um livro que você ama ou há algo suculento nele, e você começa a procurar palavras-chave. Então você tem que voltar e reler. Eu tirei do bastão. Eu passei o ano com eles me lançando saltos de versos e como isso funcionaria, o que poderíamos fazer com esse visual e quais eram algumas idéias realmente idiotas com as quais podemos brincar que poderiam fazer alguém pular de versos.

Acho que a primeira referência que eles tiveram foi usar um gato como nunchuck. Essa foi a primeira imagem que me falaram. Eles são como, “Existe um universo, e você tem que escapar de uma sala, e a única maneira de fazer isso é usar aquele gato como um nunchuck”. E eu fiquei tipo, “Ok, essa é uma imagem interessante na minha cabeça”. Eles nunca usaram, e eu acho que nem fez o roteiro, mas foi a primeira vez que falamos sobre isso. O absurdo do que era possível lá fora era uma grande parte disso.

Se você não tivesse trabalhado com os Daniels antes, você acha que teria conseguido isso em menos de 40 dias?

Não. Acho que uma grande parte do que tornou isso possível foi o fato de que não apenas eu e os Daniels, mas Jason, nosso designer de produção, toda a nossa equipe de câmeras e equipe de iluminação, trabalhamos com eles há muito tempo. E Jonathan Wang, seu produtor. Sabíamos o que eles pediriam. Eles pediriam algumas coisas malucas, mas também só pediriam muito disso. Tivemos essa foto maluca, mas é uma foto. Não é como se precisássemos construir a estrada inteira. Precisamos fazer um ângulo funcionar.

Eles [os Daniels] realmente confiam em seus colaboradores. Eles confiam [na tripulação]. “Aqui está uma ideia maluca que temos. Qual é a melhor maneira de executá-lo”, ou pergunte a Jason: “Qual é o melhor lugar para filmar?” ou “Qual é a melhor opção para o nosso orçamento?” Esse era constantemente o tema. Como podemos fazer isso com o tempo e o dinheiro que temos?

Todos os universos parecem diferentes através do uso de cores. Por que você usou cores para diferenciar cada universo? Havia outras ideias na mistura?

Bem, nós mudamos as lentes entre todos os universos também. Usamos seis ou sete tipos diferentes de lentes. Também mudamos as proporções de 4:3 para CinemaScope para 1,85 para algo tão bobo quanto o 2:1 da Netflix. que se parece com 1,85. Fizemos coisas assim. Tivemos uma grande reunião no começo comigo e com o design de produção, mas também com cabelo, maquiagem e figurinos. Os Daniels ficaram tipo: “O segundo ato é psicótico, e vamos passar por esses universos e precisamos fazer escolhas ousadas para que você possa saber facilmente onde estava”.

Começamos a reservar cores para universos, mas também optamos por não incluir algumas cores em certos universos. Também estávamos jogando com os contrastes como o universo dos dedos de cachorro-quente, que ninguém pega. Todo mundo está distraído com as mãos de cachorro-quente, mas as únicas cores nesse universo são ketchup, mostarda, carne e pão. São apenas essas cores.

Uau.

[Risos] O designer de produção teve uma bola. Ele estava mais empolgado com aquele universo [mãos de cachorro-quente]. Sim, eram pequenas coisas assim. In the Mood for Love foi uma grande referência para o verso de Hong Kong onde ela [Evelyn] é uma estrela de cinema. In the Mood for Love não é realmente um filme verde. É muito limpo, na verdade. Mas respondemos à ideia do trabalho de Wong Kar-wai, que muitos deles, como Fallen Angels e Chungking Express , eram muito verdes e tinham muito sabor.

Começamos apenas fazendo essas escolhas maiores e mais ousadas. Raccacoonie é uma ode bizarra ao Punch-Drunk Love . Você sabe, vermelho, branco e azul. Existem cores americanas muito fortes e viscerais. Nós apenas começamos a nos divertir com isso e depois ver o que estava lá e aprimorá-lo.

Você tem uma referência favorita de um filme que você conseguiu entrar?

Eu sempre tenho algumas referências que menciono aos Daniels como uma piada, mas ainda são uma referência real para mim. Para o universo de Jobu no templo branco, todos os meus filmes favoritos vêm do trauma de infância dos filmes. Filmes que batem muito forte como Jurassic Park . Isso me assustou pra caramba. Em The NeverEnding Story, há uma princesa neste castelo estranho, gelado, branco e brilhante. No segundo, há esse estranho palácio de cristal que desmorona. Quando eu era criança, isso sempre me incomodava, esse ambiente estranho, frágil, assustador.

Combinei isso com imagens de Beyond the Black Rainbow , que é um filme de terror sombrio e alucinante. Essa foi minha referência favorita. Eu até assisti NeverEnding Story II , que é terrível e muito barato e arruinou minhas memórias completamente. Não parece nem de longe tão bom quanto minhas memórias, e parece muito barato.

Eu até acho que eles trocaram uma das raças dos atores, bizarramente o suficiente. Muitas das referências são baseadas em memórias desses filmes, em vez de realmente puxar os quadros e fazer referência a eles mesmos. Foi assim que partimos. Tipo de tiro do coração, se você quiser.

As cenas de luta são muito bem coreografadas. Logisticamente, eles têm que ser difíceis de filmar. Como você descobriu onde colocar as câmeras para as cenas de luta?

Tivemos muita sorte porque os Daniels entraram em contato com nossos coreógrafos, os irmãos Le e sua equipe. Esses caras amam os filmes de Jackie Chan, e nós amamos os filmes de Jackie Chan. Eu cresci com os filmes de Jackie Chan e todos os seus filmes clássicos como a luta de escadas em First Strike . Os Daniels se conectaram com eles, então eles começaram a trabalhar com eles [os irmãos Le] para coreografar. Eles realmente coreografaram com a câmera também, então começamos a decompô-lo e descobrir com antecedência como poderíamos executá-lo e como simplificá-lo.

Muito disso estava dando a si mesmo a quantidade certa de tempo. A luta da pochete foi com várias câmeras, e nós tínhamos esses equipamentos realmente estranhos que construímos com antecedência, como a câmera no chão, que é como o ponto de vista da pochete envolvendo esse pé. Era um pequeno equipamento de patins com o qual eu corria na ponta de uma corda.

Então você tem a luta de escadas, e essa foi a coisa mais dolorosa de se fazer. Você tem 20 pessoas na escada. Você está tentando se movimentar. Tivemos que gastar muito dinheiro com esses guindastes tecnológicos sofisticados, não para fazer movimentos legais, mas para colocar uma câmera em um lugar de difícil acesso. Tivemos que gastar todo esse dinheiro para colocar uma câmera em um lugar desagradável para contar a história. Aos poucos trabalhamos com isso.

Com essas cenas, você não apenas está tentando fazer uma cena de ação, mas também tem fãs industriais soprando papel em todos os lugares. A iluminação está piscando. Foi um grande desafio. Nós realmente nos apressaríamos através do diálogo e tentaríamos fazer dias de diálogo pesado para que pudéssemos ter tempo para realmente capturar o caos de forma adequada. Não teríamos que correr pelas cenas de ação tanto quanto pensávamos que precisávamos.

Você foi capaz de dar um passo para trás e perceber o que este filme significou para muitas pessoas? Arrecadou mais de US $ 100 milhões em todo o mundo, o que é um recorde A24, e tem uma grande chance de ser indicado para alguns Oscars. Isso é surreal? Você sabia que tinha algo especial?

Lembro-me de alguns membros da equipe dizendo: “Acho que vocês fizeram algo especial” e, na época, não pensaram muito nisso. Eu estava feliz por termos terminado. Foi uma competição de resistência porque todos os dias, você chega aos 100. Não há dia frio nas filmagens. [Risos] Todo dia tem uma ideia maluca ou algo que tivemos que fazer. Começou a pingar lentamente. Nosso colorista, Alex, antes de avaliar o filme, ele assistiu com sua esposa e disse: “Sim. Minha esposa adorou o filme e chorou”. Não há nem mesmo efeitos visuais finais nele. Eu fiquei tipo, “Oh, uau. Isso é louco."

Mas eu também estive lá durante o processo de edição porque eles continuaram brincando com ele e recebendo todas essas respostas malucas. Realmente só nos ocorreu na South by Southwest. Ouvindo a primeira reação do público, eu fiquei tipo, “Oh. Entendo." Ouvir as pessoas chorando nos cinemas é algo que eu realmente não tinha experimentado. Normalmente, chorar é uma coisa tranquila, e a pessoa ao meu lado estava soluçando, e eu comecei a ficar muito emocionada. Eu nunca tive uma resposta emocional a nenhum dos meus projetos antes, porque geralmente já foi derrotado quando você o vê no cinema. Eu realmente tive uma resposta real ao vê-lo.

Estou tão orgulhoso dos Daniels pelo que eles fizeram. Mesmo à noite depois de South by Southwest, eles fizeram uma grande festa em sua casa apenas com a equipe. Era uma festa de dança. Alguém começou a fazer todo mundo dar discursos. Metade das pessoas não conseguia falar porque a sala inteira ficava quieta. Eles iam conversar e começavam a chorar e diziam: “Eu não posso fazer isso”.

Parece clichê, mas as pessoas realmente trabalharam nisso por tanto tempo. Foram todos eles. Não foi como se fosse um ótimo roteiro que encontramos e alguém o fez. Não, são todos esses caras colocando tudo o que têm nisso. Estou muito feliz em ver o mundo responder.

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