De Logan a Os Últimos Jedi: 2017 foi o melhor ano para sequências de ficção científica
Boas sequências são raras. Nunca é fácil recriar a bebida original que se transformou em um grande filme. Para um determinado ano, produzir até duas grandes sequências é excepcional, e é por isso que 2017 foi annus mirabilis para esses acompanhamentos. 2017 produziu cinco sequências do mesmo gênero – ação de ficção científica – que eram tão boas ou melhores do que qualquer outra coisa em suas respectivas franquias.
Seu sucesso inicial, bem como seu poder de permanência, deve-se a vários fatores comuns, incluindo cinema visionário, efeitos especiais inspirados e performances comprometidas de atores famosos que não tinham medo de parecer velhos ou fracos enquanto seus personagens lutavam com poderes em declínio. Mas, mais do que tudo, seu triunfo coletivo se resume a uma abordagem compartilhada. Eles foram todos desvios ousados – narrativamente, tematicamente, estilisticamente, esteticamente – de entradas típicas das franquias que os geraram.
Logan (3 de março)
Não é de admirar que os cuidadores da franquia Indiana Jones tenham contratado James Mangold para dirigir Harrison Ford, de 79 anos, na próxima quinta entrada da série. Não é qualquer um que vai substituir Steven Spielberg. Mesmo que o celebrado diretor de ET e Schindler's List tenha tropeçado com Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal , ele ainda é um dos maiores de todos os tempos. A contratação de Mangold é uma prova do trabalho fantástico que ele fez com Logan – o filme final da trilogia Wolverine, um spin-off da série X-Men – dirigindo duas lendas envelhecidas interpretando duas lendas envelhecidas: Hugh Jackman como Logan/Wolverine, e Patrick Stewart como Charles Xavier/Professor X.
Mangold havia dirigido o filme anterior de Wolverine, ambientado no Japão, que recebeu críticas decentes e apresenta ótimas sequências, incluindo uma homenagem ao Trono de Sangue de Akira Kurosawa , com Wolverine ficando cheio de flechas. Mas o filme ainda está no reino dos quadrinhos, um reino do qual Logan decididamente se afasta encenando e filmando seus eventos com realismo corajoso (incluindo representações realistas do que acontece com corpos humanos quando alguém os rasga com garras de adamantium).
Em 2029, os mutantes estão praticamente extintos, e Logan, Xavier e Caliban (Stephen Merchant) estão à deriva até o fim de seus dias. Quando uma jovem mutante em perigo (Dafne Keen) chega à sua porta, eles redescobrem um propósito comum. Mangold (que já havia dirigido um remake de 3:10 to Yuma ) mergulha Logan no western evocando Shane , a meditação clássica de George Stevens de 1953 sobre a brutalidade da violência que também narra a sobrevivência de uma família improvisada.
Os tons ousados do filme e a iluminação de alto contraste pareciam tão bons que Mangold também lançou uma impressionante versão em preto e branco do filme , que, se alguma coisa, evoca os temas rígidos do filme de forma ainda mais dramática. Logan é de longe o melhor filme dos X-Men, o que não diz muito, mas também é a sequência rara que pode se sustentar por conta própria.
Guerra pelo Planeta dos Macacos (14 de julho)
A maior razão para o sucesso da mais recente série Planeta dos Macacos – além de uma produção cinematográfica espetacular – é que cada filme encontra um tom e uma abordagem diferente daquele que o precedeu. Rise of the Planet of the Apes (2011) é uma história de origem clássica com uma tocante história de amor familiar entre homem e macaco que desmente o horror da sociedade se deteriorando ao seu redor.
A sequência, Dawn of the Planet of the Apes (2014), se passa em um apocalipse pós-viral no qual os restos caóticos da civilização humana são justapostos às exuberantes florestas do norte da Califórnia, onde os macacos só querem viver em paz. Ao apresentar a civilização dos macacos, Dawn também permite que esta série se afirme como um dos feitos mais impressionantes de efeitos visuais já cometidos no cinema. Ele também mostra Andy Serkis, que interpreta o líder dos macacos, César, como um dos maiores atores de tela vivos .
Tudo – o VFX, a construção do mundo, as performances, especialmente de Serkis – se destaca mais uma vez no terceiro filme, que se inclina ainda mais para a beleza quase pictórica, bem como a política progressista na forma de uma crítica ardente ao belicismo e xenofobia de construção de paredes (tudo o que pode explicar por que essa entrada fez menos bilheteria doméstica do que seus antecessores).
O filme também continua a tendência da série de se inclinar para diferentes gêneros para dar uma nova reviravolta na narrativa. War é um filme de viagem, um filme de fuga da prisão e um riff de Apocalypse Now, com Woody Harrelson ecoando o homicida Coronel Kurtz de Marlon Brando desse filme. Finalmente, o filme é uma alegoria bíblica, com César como Moisés conduzindo seu povo para a terra prometida, uma longa jornada de trilogia que termina com um lindo quadro pastel anunciando esperança.
Blade Runner 2049 (6 de outubro)
Se alguém não estava convencido disso cinco anos atrás, é bastante claro que este filme é quase uma obra-prima por seus visuais extraordinários e seus temas comoventes sobre sacrifício e a natureza da identidade humana . Blade Runner (1982) original de Ridley Scott tornou-se tão distinto, influente e famoso nas décadas desde que foi declarado um fracasso, que foi preciso muita coragem para pensar em segui-lo, especialmente desde que a estrela do filme, Harrison Ford, repetidamente resmungou sobre o tempo miserável que ele passou fazendo isso. O diretor Denis Villeneuve confessou ter pisado em “território sagrado” para chegar perto de uma sequência, e com certeza poderia ter sido uma grande loucura. Em vez disso, ele e seus colaboradores (particularmente o diretor de fotografia Roger Deakins, que ganhou um Oscar há muito esperado pelo filme) contribuíram com uma grande obra para o cinema.
De acordo com nosso tema, Blade Runner 2049 fez dois desvios importantes do original que garantiram seu sucesso artístico. Ele expandiu os ambientes, recuando das profundezas urbanas escuras do chuvoso centro de Los Angeles para revelar muito mais do mundo da história, incluindo uma Las Vegas inabitável pela detonação de uma bomba suja, um paredão gigantesco segurando o oceano em ascensão e o cidade anteriormente conhecida como San Diego agora servindo como um enorme depósito de lixo.
A segunda partida foi escalar Ryan Gosling no filme como um Blade Runner de última geração, Agente K, caçando modelos mais antigos de Replicantes (como o interpretado por Dave Bautista), e fazer com que a narrativa traçasse seu arco para se tornar humano. Enquanto isso, Ford como OG Rick Deckard aparece tão tarde na foto que quase esquecemos que ele está nele. Quando ele aparece, porém, o filme liga elegantemente a história de Deckard à de K e oferece um final profundo e comovente no qual Villeneuve presta homenagem às cenas finais de Ikiru de Kurosawa , também sobre um homem que descobre sua humanidade antes de morrer na neve. (Assim como em The Wolverine , mencionado acima, evocar Kurosawa deve ser o movimento padrão para sinalizar uma ambição artística séria.)
Assim como o Blade Runner original, o BR 2049 foi um “fracasso” financeiro, mas também como seu antecessor, está destinado a um lugar de destaque dentro do cânone da ficção científica séria, atingindo as gerações vindouras.
Thor: Ragnarok (3 de novembro)
Se ninguém ainda disse: “Se você quer uma nova visão de algo, dê a um Kiwi”, então estou dizendo aqui! Que sorte para a Marvel Studios que o escritor/diretor da Nova Zelândia e o maravilhoso homem da cidade Taika Waititi estavam em ascensão, assim como eles precisavam de uma nova voz para dar vida a uma série túrgida que quase encalhou com o letárgico Thor: O Mundo Sombrio .
Waititi deu uma olhada no material, decidiu que deveria ser muito mais divertido, e todos os seus instintos provaram ser exatamente o que era necessário. Ragnarok é hilário, visualmente deslumbrante, sexy, exagerado, comovente, cheio de ação e ritmo acelerado. Abrange significativamente os relacionamentos herdados – entre Thor (Chris Hemsworth) e Loki (Tom Hiddleston); os dois filhos e seu pai, Odin (Anthony Hopkins); e Thor e Hulk (Mark Ruffalo) – ao mesmo tempo em que apresenta ótimos novos personagens.
Cate Blanchett é uma piada no modo vamp vestido de couro como o Big Bad, enquanto Tessa Thompson como a Valquíria embriagada e apática imediatamente se tornou um dos personagens mais atraentes do MCU. Acrescente Jeff Goldblum fazendo Goldblumian com sombra escura e você acabou de riscar nove das 12 coisas que todo filme deve sempre conter – tanto que toda vez que assisto a esse filme, me pergunto a mesma coisa: por que não há mais blockbusters como Thor: Ragnarok? Não é surpresa que a Marvel trouxe Wattiti de volta para a quarta entrada, Thor: Love and Thunder .
Star Wars: Os Últimos Jedi (15 de dezembro)
Há pouca coisa nova a dizer sobre este filme que não tenha sido exposta ad infinitum nos últimos cinco anos no cabo de guerra de opiniões divergentes entre os campos de fãs, que incluem as opiniões deste escritor . Como os filmes de Guerra nas Estrelas tendem a ser comparados exclusivamente uns aos outros, e não contra o cinema em geral, o debate sobre o valor tende a ser menos sobre noções convencionais de bom e ruim e mais sobre quais episódios melhor expressam o caráter de Guerra nas Estrelas de Guerra nas Estrelas. . Certamente, o alvoroço sobre Os Últimos Jedi – e as sequências em geral – se concentrou nisso.
Quais elementos melhor transmitem o estilo Star Wars de Star Wars pode ser difícil de identificar. A magia que gera Guerra nas Estrelas, que faz nossos corações acelerarem até meio vislumbrando na TV enquanto passeamos por uma Best Buy, está na fusão, não nos ingredientes individuais. JJ Abrams evoca a bebida em momentos ocasionais, e até mesmo por uma ou duas sequências estendidas, em O Despertar da Força . Infelizmente, sua feitiçaria nascente não foi páreo para o verdadeiro poder das trevas no universo Disney Star Wars: os imperativos comerciais que exigiam um enredo tão calculado e derivado.
O Último Jedi também é derivado. É apenas derivado de uma maneira muito mais pensativa, original e subversiva do que O Despertar da Força . Star Wars é agora seu próprio gênero. E a chave para a popularidade sustentada de qualquer gênero é a nova evocação de tropos de gênero. Um dos tropos que o diretor Rian Johnson atualiza rapidamente são as influências do filme Samurai que inspiraram Star Wars desde o início. E sim, estamos de volta a Kurosawa mais uma vez! O mestre japonês foi uma grande influência para George Lucas, particularmente com seu filme, The Hidden Fortress .
O design do Samurai é evidente em The Last Jedi , no duelo Snoke/Rey/Kylo Ren na Sala do Trono, com suas máscaras e mantos esvoaçantes e fundos vermelho-sangue que lembram o drama japonês Noh que Kurosawa evocou em Throne of Blood. A estética Samurai também predomina nas cenas Jedi/monge entre Luke Skywalker (Mark Hamill) e Rey (Daisy Ridley), bem como o confronto climático de Luke com Kylo Ren (Adam Driver). A ilha de Ahch-to , embora filmada na costa oeste da Irlanda, poderia facilmente dobrar para o Japão. O terreno rochoso e as estruturas em ruínas varridas pela chuva lembram a abertura do Rashomon de Kurosawa, enquanto os pães triplos de Rey evocam Toshiro Mifune de muitos de seus filmes de samurai.
Tal como acontece com todos os filmes do nosso alardeado ano de sequências de ficção científica, tanto o sucesso inicial quanto a aclamação contínua de Os Últimos Jedi se devem à sua ousada saída do material de origem de maneiras importantes. A abordagem compartilhada desses filmes os tornou ótimas experiências cinematográficas por si só, bem como exemplos superiores de suas respectivas franquias.
