Como Winning Time da HBO usou A/V retrô para recriar os anos 80
Você não precisa ser um fã de basquete – ou mesmo um fã de esportes – para encontrar algo fascinante no novo drama da HBO Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty . A série de 10 episódios oferece uma espécie de cápsula do tempo, narrando um dos períodos mais transformadores da NBA contra o pano de fundo de mudanças culturais e econômicas sísmicas nos Estados Unidos.
John C. Reilly ( Boogie Nights , Step Brothers ) interpreta Jerry Buss, dono do time do Los Angeles Lakers, que se propõe a reinventar o time e a liga como um todo, e no processo inaugura um novo status quo para a liga. jogadores predominantemente negros, assim como a mídia e as relações dos torcedores com o esporte profissional. A série combina imagens de arquivo com elementos de script e recriações de momentos icônicos, filtrados pelas lentes do cineasta vencedor do Oscar Adam McKay ( Don't Look Up ).
A tarefa de dar vida à visão de McKay para a série foi o diretor de fotografia Todd Banhazl ( Hustlers ), que se esforçou para misturar perfeitamente as imagens existentes da época com a narrativa roteirizada, multifacetada e, ocasionalmente, de quebrar a quarta parede. A Digital Trends conversou com Banhazl sobre as abordagens inovadoras que a Winning Time adotou para recapturar a aparência dos anos 80.
Digital Trends: Winning Time tem uma estética visual única. Como foram as primeiras conversas com Adam McKay sobre sua visão para a série?
Todd Banhazl: Sabíamos desde o início que o show ia misturar formatos e estilos diferentes, e que estaríamos pegando imagens da época e fotos, e referenciando a cultura pop e comerciais famosos da época. Reproduzimos a cena de Avião com Kareem Abdul-Jabbar , por exemplo, e sabíamos que esse tipo de coisa seria uma grande parte disso. Então, desde o início, as conversas eram sobre decidir sobre nossa estética principal e como iríamos nos ramificar disso.
Uma de nossas grandes influências foi a fotografia publicitária da época, e o que a América parecia para os americanos através de uma lente comercial nos anos 70 e 80. Pegando isso e brincando com isso, foi assim que chegamos ao visual principal do show, que é de 35 milímetros, visual Ektachrome – como um estoque de filme reverso realmente suculento. É granulado e sujo e você pode, tipo, comer a cor, entende o que quero dizer?
Eu faço! Há aquela sensação texturizada e granulada em grande parte da série …
Exatamente, sim. Essa é a influência dos anos 70 em tudo também. Aquela era era como um glamour mais sujo. Tinha um aspecto gorduroso, cheio de homens com muitos pelos no peito e oleosidade na pele. Havia todo aquele brilho e dinheiro, e tudo que fazia parte disso também.
Você recriou tão bem que eu não tinha certeza de onde as filmagens dos anos 80 terminavam e o material do roteiro começava, em alguns casos. O que foi preciso para misturar tudo isso?
Bem, esse era definitivamente o objetivo: se fizermos nosso trabalho direito, o público não será capaz de perceber a diferença. Tudo começou com o filme de 35 milímetros, mas também fizemos coisas fotoquímicas nele. Subexpusemos o filme e o deixamos no banho por muito tempo, por exemplo. Isso é algo chamado processamento push , onde você o deixa em desenvolvimento por mais tempo. O filme fica mais contrastado, mais granulado, mais saturado.
Também misturamos processos digitais para degradar ainda mais a imagem. Pedimos ao laboratório para não limpar o negativo, por exemplo. Quando eles terminam de desenvolvê-lo, eles normalmente tiram toda a poeira do negativo, mas nós pedimos que eles o deixassem. Dissemos: “Se um pedaço de poeira acabar no rosto de alguém, vamos removê-lo digitalmente, mas tudo o mais que quisermos”.
Então você basicamente criou algumas das falhas que você normalmente conserta no filme?
Certo. Para muitas das coisas que normalmente consideramos erros, dissemos à nossa equipe para deixá-los de lado. Então começamos por aí e começamos a filmar em filme de 16 milímetros e oito milímetros. Esse é o material que é realmente granulado, onde você pode ver as perfurações na lateral enquanto assiste. Usamos o filme de oito milímetros para filmar cenas de tempo e local, estabelecimentos, inserções e pedaços de basquete ou coisas que realmente aconteceram que estávamos recriando – tudo para que você perca a noção do que é arquivado e do que é novo.
O público tem visto [Earvin] “Magic” Johnson e essas outras pessoas na mídia há décadas, então é divertido brincar de vê-los da mesma maneira que você os teria visto naquela época – em formatos de filme de 16 mm e de baixa resolução – mas com nossos atores retratando-os [no show]. Ele borra a realidade de algumas maneiras divertidas.
Muitas das filmagens parecem um antigo filme caseiro dos anos 80, que funciona perfeitamente na série.
Sim, nós literalmente chamamos de “Dad Cam” enquanto estávamos filmando. Inicialmente, estávamos construindo as câmeras de oito milímetros muito parecidas com as câmeras de filme de hoje, com todo o equipamento e material portátil, mas acabamos percebendo que parecia muito cinematográfico. A melhor versão do material de oito milímetros foi quando você tinha apenas um pequeno punho de pistola e parecia um pai em um churrasco, filmando sua família. Quanto mais criávamos com isso em mente, mais o visual que queríamos aparecia na filmagem.
Você poderia facilmente acabar indo para uma toca de coelho A/V dos anos 80 trabalhando nesta série. Isso aconteceu?
Nós fizemos! A outra coisa que fizemos foi filmar nessas câmeras de tubo Ikegami dos anos 80. Estávamos pesquisando quais câmeras filmavam os jogos de basquete reais naquela época, e descobrimos que eram essas câmeras de tubo que têm aquele visual clássico: as luzes meio que borram e derretem no estilo clássico da TV dos anos 80. Então, encontramos as câmeras.
Onde você conseguiu eles? E talvez mais importante, que eles realmente funcionaram?
Nós os encontramos em armazéns e no eBay. Eles estavam nas prateleiras há 40 anos, e alguns deles ainda tinham as insígnias de notícias sobre eles. Acabei desenvolvendo um hobby divertido de pesquisar a história das câmeras. Um era de uma organização de notícias em Chicago que agora está extinta. Apenas metade deles ligou, e começamos a testá-los para descobrir quais tinham uma aparência que poderíamos realmente usar.
Então sabíamos que usaríamos essas câmeras para reproduzir as imagens de basquete e para reproduzir as famosas coletivas de imprensa, e então ficamos muito empolgados em usar as câmeras em cenas narrativas, como uma terceira câmera. Começamos a intercalar os oito milímetros e as filmagens de Ikegami, meio da cena, meio que jazz. Tornou-se essa colagem de imagens – fotos, imagens da época, nossas coisas, tudo granulado, e depois os 35 milímetros e o vídeo de baixa resolução Ikegami. Acabamos com algo como uma fita de mistura da cultura americana. É uma colagem da América naquela época.
Você acabou de me dar a transição perfeita, porque a música também é usada maravilhosamente na série. Você dirigiu alguns vídeos musicais. Isso moldou seu trabalho na série?
Ele fez. McKay e eu sempre dissemos: “Se parece certo, devemos fazê-lo”. Há uma alegria no cinema para isso, e é muito bom. Há também uma alegria na edição, e uma alegria na música e uma alegria na escrita. Fiquei muito feliz com os zooms no estilo dos anos 70 e coisas assim. Eu sempre disse que o show é como The Brady Bunch com xingamentos.
Queríamos algo que parecesse saudável – como se houvesse algo familiar e piegas naquele estilo dos anos 70, 80 – mas ao mesmo tempo, os personagens estão xingando e sendo nojentos daquele jeito dos anos 70 também. Você está nos bastidores e clubes com eles.
A série fez grande uso de close-ups de atores que dão a certos momentos uma sensação íntima de vídeo caseiro. As cenas com Kareem Abdul-Jabbar vêm à mente, especificamente. Qual era o pensamento por trás dessas fotos?
Sim, isso é algo que realmente queríamos nele. Mesmo que o show tenha tanta bravura e muito carisma, e haja todos esses grandes egos, também queríamos que fosse extremamente emocional e vulnerável às vezes.
Há algo interessante em ver esses personagens míticos em nossa cultura, esses ícones, como os víamos no passado, mas também dessa maneira muito despojada, humana e vulnerável. Essa é a ideia por trás dos super close-ups. Trata-se de ver a textura da pele e o grão e estar tão perto deles. Você pode brincar constantemente com eles como ícones e gigantes que são maiores que a vida, mas também como seres humanos muito vulneráveis.
O episódio 1 de Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty estreia em 6 de março na HBO e HBO Max .
